El Estilo de Vincent van Gogh

Durante sus días escolares, Van Gogh incursionó tanto en el dibujo como en la pintura con acuarela, aunque sólo un número limitado de sus primeras obras han perdurado, y algunas de ellas han enfrentado desafíos con respecto a su autoría. Sin embargo, cuando ya adulto emprendió su camino artístico, lo hizo desde un punto de partida rudimentario. A principios de 1882, su tío, Cornelis Marinus, figura destacada del mundo del arte contemporáneo de Ámsterdam, solicitó dibujos que representaran escenas de La Haya. Lamentablemente, los intentos iniciales de Van Gogh no cumplieron con las expectativas, dejando a Marinus insatisfecho con los resultados. A pesar de este revés, Marinus extendió una segunda comisión, ofreciendo instrucciones específicas sobre el tema, pero una vez más se sintió decepcionado con el resultado.

Sin inmutarse, Van Gogh persistió en sus actividades artísticas. Realizó experimentos con técnicas de iluminación dentro de su estudio, empleando varios tipos de contraventanas y materiales de dibujo. Durante más de un año, se dedicó a crear intrincados estudios monocromáticos de figuras individuales, aunque, durante ese período, estas obras obtuvieron más críticas que elogios. Sin embargo, con el tiempo serían reconocidas como sus primeras obras maestras.

En agosto de 1882, Theo, su hermano, proporcionó a Vincent los fondos necesarios para adquirir materiales para pintar al aire libre. Vincent expresó su nuevo entusiasmo y afirmó que ahora podía abordar su obra de arte con renovado vigor. A partir de principios de 1883, centró su atención en composiciones con múltiples figuras. Aunque hizo fotografiar algunas de estas composiciones, al observar su hermano que carecían de vitalidad y frescura, Vincent decidió descartarlas y pasó a pintar al óleo.

Van Gogh se inspiró en artistas de renombre de la Escuela de La Haya, como Weissenbruch y Blommers. Además, buscó orientación técnica en artistas como De Bock y Van der Weele, ambos pertenecientes a la segunda generación de la Escuela de La Haya. Después de una breve estancia en Drenthe, se trasladó a Nuenen, donde se embarcó en varias pinturas ambiciosas, aunque lamentablemente la mayoría de ellas corrieron el destino de la destrucción. Entre los supervivientes, "Los comedores de patatas" y las piezas que la acompañan son los únicos restos.

Tras una visita al Rijksmuseum, Van Gogh expresó su admiración por la pincelada rápida y económica de los maestros holandeses, en particular Rembrandt y Frans Hals. Reconoció que muchas de sus propias deficiencias se debían a su limitada experiencia y conocimientos técnicos. Por ello, en noviembre de 1885 tomó la decisión de viajar a Amberes y posteriormente a París con el fin de adquirir los conocimientos y habilidades necesarios para su desarrollo artístico.

Theo, en su crítica de "The Potato Eaters", expresó su descontento con su paleta de colores sombríos, considerándola inapropiada para un estilo contemporáneo. Durante la estancia de Vincent van Gogh en París entre 1886 y 1887, se embarcó en una búsqueda para dominar una combinación de colores más fresca y vibrante. Su "Retrato de Père Tanguy" (1887) sirve como testimonio de su exitosa adopción de esta paleta más brillante, marcando la evolución de su estilo artístico personal.

La fascinación de Vincent por el tratado sobre el color de Charles Blanc despertó enormemente su interés y lo llevó a explorar el reino de los colores complementarios. Comenzó a percibir el color como algo más que una simple herramienta descriptiva; creía que el color poseía una cualidad expresiva inherente. Según Hughes, Van Gogh consideraba que el color tenía un significado tanto psicológico como moral, ejemplificado vívidamente en los llamativos rojos y verdes de "The Night Café", una obra a través de la cual buscaba transmitir las intensas pasiones de la humanidad. De todos los colores, el amarillo tenía el significado más profundo para él, simbolizaba la autenticidad emocional y servía como representación de la luz del sol, la vitalidad y la divinidad.

Van Gogh aspiraba a capturar la esencia de la vida rural y el mundo natural en sus pinturas. Durante su primer verano en Arles, aprovechó su nueva paleta para representar paisajes y escenas rurales tradicionales. Su convicción de que una fuerza trascendente residía dentro de la naturaleza lo obligó a esforzarse por transmitir la esencia o el poder de la naturaleza en su arte, empleando a menudo elementos simbólicos. Sus interpretaciones del sembrador, inicialmente inspiradas en las obras de Jean-François Millet, reflejan la influencia de Thomas Carlyle y Friedrich Nietzsche, quienes contemplaron el heroísmo inherente al trabajo físico. Estas representaciones también hacían eco de las propias creencias religiosas de Van Gogh, retratando al sembrador como una figura parecida a Cristo que siembra vida bajo el sol abrasador. Estos temas y motivos se convirtieron en temas recurrentes que reelaboró y desarrolló continuamente.

Las composiciones florales de Van Gogh también tenían un profundo simbolismo. En lugar de confiar en la iconografía cristiana convencional, forjó su propio lenguaje simbólico, donde la vida se desarrollaba bajo el sol radiante y el trabajo representaba una alegoría de la existencia. Con una confianza renovada después de pintar flores primaverales y dominar el arte de capturar la luz del sol brillante en Arles, estaba preparado para crear su obra maestra, "El sembrador".

Van Gogh se adhirió a lo que llamó "la apariencia de la realidad" y mantuvo una postura crítica hacia las obras de arte demasiado estilizadas. En retrospectiva, expresó su opinión de que la abstracción vista en "La noche estrellada" había ido demasiado lejos y había hecho que la realidad pasara a un segundo plano. Hughes caracteriza esto como un momento de profundo éxtasis visionario: las estrellas giran vigorosamente, recordando la icónica "Gran Ola" de Hokusai, y el movimiento celestial refleja el balanceo del ciprés en el plano terrestre. La experiencia visionaria del pintor se transmite vívidamente a través de una rica y pronunciada aplicación de pintura.

Desde 1885 hasta su fallecimiento en 1890, Van Gogh pareció estar construyendo meticulosamente una obra que encarnaba su visión personal y al mismo tiempo tenía potencial comercial. Se inspiró en la definición de estilo de Blanc, que enfatizaba los elementos esenciales del color, la perspectiva y la pincelada para crear pinturas genuinas. Van Gogh empleó el término "decidido" para describir las pinturas que creía haber dominado, distinguiéndolas de aquellas que consideraba meros estudios. Muchos de estos estudios eran series de naturalezas muertas, que a menudo servían como experimentos de color o regalos sinceros para amigos. Su producción artística durante su estancia en Arlés contribuyó significativamente a su obra, destacando pinturas como "El sembrador", "Café de noche", "Memoria del jardín de Etten" y "La noche estrellada". Caracterizadas por sus pinceladas audaces, perspectivas innovadoras, colores vibrantes, contornos distintivos y diseños imaginativos, estas obras personificaron el estilo artístico que persiguió incansablemente.

La evolución artística de Van Gogh suele asociarse a los distintos periodos que pasó residiendo en diferentes localidades europeas. Tenía propensión a sumergirse en las culturas locales y las condiciones de iluminación, aunque su perspectiva artística individual siguió siendo muy distintiva en todo momento. Su crecimiento como artista fue paulatino y era muy consciente de sus limitaciones como pintor. Cambiaba frecuentemente de lugar de residencia, posiblemente para exponerse a nuevos estímulos visuales y así mejorar su destreza técnica. La historiadora de arte Melissa McQuillan sugiere que estas reubicaciones también reflejaron cambios posteriores en su estilo artístico y sirvieron como un mecanismo de afrontamiento para el artista idealista cuando se enfrentó a las realidades de sus circunstancias actuales.

Van Gogh expresó un profundo interés por el retrato, declarando en 1890 que era su mayor pasión: "Lo que más me apasiona, mucho más que todo el resto de mi profesión, es el retrato, el retrato moderno". Creía que era "lo único en la pintura que me conmueve profundamente y que me da una sensación de infinito". Le escribió a su hermana sobre su deseo de crear retratos duraderos, centrándose en capturar emociones y personajes a través del color en lugar de buscar el realismo fotográfico. En particular, sus colaboradores más cercanos, como Theo, Van Rappard o Bernard, rara vez fueron los sujetos de sus retratos; los retratos de su madre se basaron en fotografías.

Entre sus temas recurrentes, Van Gogh pintó varias veces al director de correos de Arlés, Joseph Roulin, y a su familia. En cinco versiones de "La Berceuse" (La canción de cuna), representó a Augustine Roulin balanceando suavemente una cuerda que acuna a su hija pequeña invisible. Van Gogh originalmente planeó que esta imagen fuera el panel central de un tríptico, flanqueado por pinturas de girasoles.

En un lapso de cuatro años, de 1885 a 1889, Van Gogh realizó más de 43 autorretratos. A menudo los creó en series, como las terminadas a mediados de 1887 en París, y continuó pintando autorretratos hasta poco antes de su muerte. Por lo general, estos retratos sirvieron como estudios, creados durante períodos en los que dudaba en relacionarse con otros o carecían de modelos, lo que lo llevó a recurrir a sí mismo como sujeto.

Estos autorretratos revelan un profundo grado de autoexamen. A menudo tenían como objetivo marcar fases importantes de su vida. Por ejemplo, la serie que pintó a mediados de 1887 en París coincidió con su creciente conocimiento de artistas como Claude Monet, Paul Cézanne y Signac. Uno de sus autorretratos más famosos de ese período, "Autorretrato con sombrero de fieltro gris", exhibe una pincelada audaz y rítmica y un distintivo halo neoimpresionista, al que el propio Van Gogh se refirió como un lienzo "decidido".

Estos autorretratos abarcan una amplia gama de representaciones fisionómicas. La condición física y mental de Van Gogh suele ser evidente, mostrando varias características como una apariencia descuidada, una cara sin afeitar o una barba desaliñada, junto con ojos hundidos, una mandíbula débil o dientes faltantes. Algunos lo retratan con labios carnosos, una cara alargada o un cráneo prominente, mientras que otros lo representan con rasgos agudos y alerta. Su cabello a veces está representado en vibrantes tonos rojizos y otras veces cenicientos.

Los aspectos estilísticos de los autorretratos de Van Gogh varían. Los pintados después de diciembre de 1888, por ejemplo, presentan contrastes de colores vivos que enfatizan la palidez de su piel. Algunos lo representan con barba, mientras que otros lo representan bien afeitado. Hay retratos que lo muestran con vendas, realizadas poco después de mutilarse la oreja. Sólo unos pocos de estos autorretratos lo representan como pintor. Los pintados en Saint-Rémy suelen mostrar su cabeza desde el lado derecho, el lado opuesto de su oreja dañada, mientras se pintaba a sí mismo reflejado en su espejo.

El portafolio de Van Gogh cuenta con numerosas pinturas de paisajes adornadas con una colorida variedad de flores, que incluyen rosas, lilas, lirios y girasoles. Algunas de estas obras revelan su fascinación por el poder expresivo del color y su interés por el arte japonés ukiyo-e. De particular interés son dos series de girasoles: la primera, elaborada en París durante 1887, representa girasoles descansando en el suelo, mientras que la segunda serie, completada un año después en Arles, muestra ramos de girasoles bañados por la suave luz de la mañana. Ambas series presentan pinturas gruesas en capas que, según la Galería Nacional de Londres, confieren una calidad táctil a las semillas de los girasoles.

En estas series, Van Gogh se apartó de su énfasis habitual en infundir subjetividad y emoción en sus pinturas. En cambio, su objetivo era demostrar su destreza técnica y sus métodos de trabajo a su amigo Gauguin, que pronto llegaría. Las pinturas de 1888 marcaron un raro período de optimismo para el artista, como lo demuestra su carta a Theo en agosto de ese año:

"Estoy pintando con el gusto de un marsellés comiendo bullabesa, lo cual no te sorprenderá cuando se trata de pintar girasoles grandes... Si llevo a cabo este plan, habrá una docena de paneles. Todo Por tanto, será una sinfonía en azul y amarillo. Trabajo en ello todas estas mañanas, desde el amanecer. Porque las flores se marchitan rápidamente y es cuestión de hacerlo todo de una vez."

Van Gogh creó estas pinturas de girasoles para adornar las paredes de la Casa Amarilla en anticipación a la visita de Gauguin. Colocó estratégicamente obras individuales en toda la habitación de invitados. Gauguin quedó profundamente impresionado y posteriormente adquirió dos de las versiones de París. Después de la partida de Gauguin, Van Gogh imaginó las dos versiones principales de los girasoles como las alas de un tríptico llamado Tríptico Berceuse y las incluyó en su exposición Les XX en Bruselas. Hoy en día, estas piezas principales de la serie se encuentran entre sus obras más reconocidas, celebradas por el poder simbólico del color amarillo, la pincelada expresiva y su marcado contraste con fondos a menudo oscuros.

Van Gogh pintó quince lienzos protagonizados por cipreses, que lo cautivaron durante su estancia en Arlés. Dio vida a estos árboles, que tradicionalmente se asociaban con la muerte. En su serie inicial, creada en Arlés, retrató cipreses en la distancia como cortavientos en los campos. Durante su estancia en Saint-Rémy, los puso en primer plano de sus composiciones. En una carta a Theo en mayo de 1889, escribió: "Los cipreses todavía me preocupan, me gustaría hacer algo con ellos, como mis lienzos de girasoles", y añadió: "Son hermosos en líneas y proporciones como un obelisco egipcio. "

Casi al mismo tiempo, a petición de su hermana Wil, Van Gogh pintó versiones más pequeñas de "Campo de trigo con cipreses". Estas pinturas se caracterizan por empastes arremolinados y densamente aplicados, y una de ellas incluye la obra icónica "La noche estrellada", en la que los cipreses dominan el primer plano. Otras obras notables con temas de cipreses incluyen "Cipres" (1889), "Cipres con dos figuras" (1889-1890) y "Camino con ciprés y estrella" (1890).

Durante la última parte de 1889, Van Gogh creó al menos quince pinturas con olivos, un tema que encontró desafiante y cautivador. Entre estas obras destaca “Olivos con los Alpilles al fondo” (1889). En una carta a su hermano, Van Gogh expresó su satisfacción y afirmó: "Por fin tengo un paisaje con olivos". Mientras estaba en Saint-Rémy, se aventuró fuera del asilo para pintar árboles en los olivares. En estas obras, el mundo natural se representa con una cualidad nudosa y casi artrítica, personificando la energía de la naturaleza misma, según Hughes.

Los Huertos en flor, también conocidos como Huertos en flor, representan una de las primeras series de pinturas que Van Gogh completó poco después de su llegada a Arles en febrero de 1888. Estas obras de arte, que constan de 14 piezas, exudan un aura de optimismo y alegría, expresando vívidamente la llegada de la primavera. Poseen una sensibilidad delicada y carecen de figuras humanas. Van Gogh trabajó rápidamente en estas pinturas y, aunque se pueden discernir elementos del impresionismo, este período marcó el surgimiento de su estilo personal distintivo. La naturaleza transitoria de los árboles en flor y los cambios de estaciones parecían resonar con su creencia en la impermanencia y en un nuevo comienzo en Arles. Durante el florecimiento de la primavera, descubrió "un mundo de motivos que no podrían haber sido más japoneses". En una carta a Theo del 21 de abril de 1888, Van Gogh mencionó que había pintado 10 huertos y "un [cuadro] grande de un cerezo, que he estropeado".

Durante esta fase, Van Gogh perfeccionó su dominio de la luz, usándola para atenuar las sombras y representando los árboles como si fueran la fuente de iluminación, casi con una sensación de santidad. A principios del año siguiente, creó otra serie más pequeña de pinturas de huertos, incluida "Vista de Arles, huertos en flor". Van Gogh estaba profundamente enamorado del paisaje y la vegetación del sur de Francia y visitaba con frecuencia los jardines de las granjas cercanas a Arles. La brillante luz del Mediterráneo iluminó significativamente su paleta.

A lo largo de su estancia en Arlés, Van Gogh se embarcó en varias expediciones pictóricas para explorar el campo. Capturó las escenas de cosecha, campos de trigo y otros lugares rurales, como "El viejo molino" (1888), un excelente ejemplo de una estructura pintoresca enclavada en medio de campos de trigo. En diferentes momentos pintó vistas desde su ventana en La Haya, Amberes y París. Estos esfuerzos culminaron en la serie "Campo de trigo", que retrataba las vistas desde su habitación en el asilo de Saint-Rémy.

Muchas de las obras posteriores de Van Gogh son sombrías pero fundamentalmente esperanzadoras, y reflejan su deseo de recuperar la claridad mental hasta el final de su vida. Sin embargo, algunas de sus últimas pinturas revelan sus contemplaciones más profundas. En una carta de Auvers de julio de 1890, describió su absorción en "la vasta llanura contra las colinas, ilimitada como el mar, de delicado amarillo".

Van Gogh quedó particularmente cautivado por los campos en mayo, cuando el trigo estaba verde y exuberante. Su pintura "Campos de trigo en Auvers con la Casa Blanca" emplea una paleta más tenue de amarillos y azules, evocando una sensación de armonía idílica.

Alrededor del 10 de julio de 1890, le escribió a Theo sobre los "vastos campos de trigo bajo un cielo turbulento". "Wheatfield with Crows" sirve como reflejo del estado de ánimo del artista durante sus últimos días, caracterizados por una sensación de presentimiento. Hulsker describió esta obra como una "pintura llena de fatalidad, con cielos amenazadores y cuervos de mal agüero". Sus colores oscuros y pinceladas atrevidas transmiten un aura de amenaza inminente.